In collaboration with the Verbier Art Summit 2020 curator Jessica Morgan, Nathalie de Gunzburg Director of New York’s Dia Foundation and Anneliek Sijbrandij, founder of the non-profit Verbier Art Summit, the students of MA Space and Communication proposed several interventions for the annual weekend long conference in Verbier with the objective of generating innovative ideas and exploring the potential of art to effect social change. “Resource Hungry”, inspired proposals about the effects of climate change, our changing relationship to the natural environment, and considerations about material sustainability.

The project Chair Constellations by Tejal Gala and Alessandra Hoffman was selected and produced for the event. Tejal and Alessandra sourced locally repurposed awning fabric from which they hand-made the linking back cover.

The students presented 4 proposals:

• Newspaper: Thomas Cerato, Marijose Galvan, Rachel Hoffmann, Tommy Poire

• Film: Noemi Castella, Thomas Lopes

• Telecabin: Tanguy Benoit, Etienne Kurzaj, Julia Pelichet 

• Chair Constellations: Tejal Gala and Alessandra Hoffman

Brief:
Rosario Hurtado, Jessica Morgan and Anneliek Sijbrandij

Tutor Team:
Arno Mathies and Dominic Robson

Assistants:
Oliver Graney and Emma Pflieger

M1 Student Team:
Tanguy Benoit, Noemi Castella, Thomas Cerato, Tejal Gala, Marijose Galvan, Alessandra Hoffman, Rachel Hoffmann, Etienne Kurzaj, Thomas Lopes, Tommy Poire, Julia Pelichet

M2 Student Team:
Cecilia Aubuoy, Philomene Le Baron, Sulliane Bressoud, Samy Bouard-Cart, Valentine Clot, Fatou Dravé, Elena Galleani D’Agliano, Margaux Janin, Amandine Lecuyer, Jozef Masarik, Segolene Nicolazic, Maximillien Pellegrini, Johan Rosset, Pau Saiz Soler, Claire Terraillon, Seda Turk

Photography credits:
@Alpimagesverbier 
@MA Space and Communication

The students of Space and Communication collaborated with Camper, the Spanish footwear brand, to explore new possible formats for the retail experience within physical space. The objective of the workshop was not to design a store interior but rather to imagine how to use physical space in this new paradigm in which so much happens digitally.

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Brief:
El Ultimo Grito, Adriana Rodríguez and Gloria Rodríguez

Tutor Team:
Damien Duparc, Arno Mathies and Dominic Robson

Assistants:
Oliver Graney and Emma Pflieger

M1 Student Team:
Tanguy Benoit, Noemi Castella, Thomas Cerato, Tejal Gala, Marijose Galvan, Alessandra Hoffman, Rachel Hoffmann, Etienne Kurzaj, Thomas Lopes, Tommy Poire, Julia Pelichet.

Photography:
from Camper Instagram Story

During this workshop students attempt different mediums and formats in which to open up and publish their Practice Project process. Podcasts featuring interviews with the students at different stages of their process, monthly physical collage of the works of all students and other strategies have been put into practice in order to stimulate interest on their forthcoming exhibition.

Brief:
Ruedi Baur

Assistants:
Oliver Graney and Emma Pflieger

M2 Student Team:
Cecilia Aubuoy, Philomene Le Baron, Sulliane Bressoud, Samy Bouard-Cart, Valentine Clot, Fatou Dravé, Elena Galleani D’Agliano, Margaux Janin, Amandine Lecuyer, Jozef Masarik, Segolene Nicolazic, Maximillien Pellegrini, Johan Rosset, Pau Saiz Soler, Claire Terraillon, Seda Turk

In cinematic terms, Off Screen refers to all those elided elements from what is shown, which despite not being seen are still intrinsic to the construction of the film and its narrative. These elements belong either to its production or conceptual spaces. 'Production space' refers, obviously, to everything and everyone that contribute to production of the film and its individual shots and the ‘conceptual space’ refers to what we know and what we do not know to be true about the world its described. 

From a design perspective, we believe we can use the cinematic concept of 'Off Screen' as means to critique any situation by evidencing what exists outside the frame. The process is therefore reversed and the 'shot' (the moment) will then be described by what lies outside (that which we do not see). In this way, the 'shot/film' is deconstructed into parts and expanded in space to evidence and critique its production values and meanings.

Brief:
El Ultimo Grito

Tutor team:
Arno Mathies and Dominic Robson

Assistants:
Oliver Graney and Emma Pflieger

M2 Student Team:
Cecilia Aubuoy, Philomene Le Baron, Sulliane Bressoud, Samy Bouard-Cart, Valentine Clot, Fatou Dravé, Elena Galleani D’Agliano, Margaux Janin, Amandine Lecuyer, Jozef Masarik, Segolene Nicolazic, Maximillien Pellegrini, Johan Rosset, Pau Saiz Soler, Claire Terraillon, Seda Turk

There was a world before and after Brexit, a world before and after Trump. In the combination of technological acceleration of devices and products, and the perception that ideas and time go faster than ever, there is little talk about the

perception of time itself.

In this workshop we will focus how our psychological perception is shaped by the experience and visualisation of time. Time as economy, time as coordination, the notion of the timeline. We will work on a series of experiments in which we will investigate the design of time—because, if time is a psychological construct, then how is it designed and shaped?

Brief:
Vinca Kruk and Daniel van der Velden

Assistants:
Oliver Graney and Emma Pflieger

M1 Student Team:
Tanguy Benoit, Noemi Castella, Thomas Cerato, Tejal Gala, Marijose Galvan, Alessandra Hoffman, Rachel Hoffmann, Etienne Kurzaj, Thomas Lopes, Tommy Poire, Julia Pelichet

Hermès — Theme of the year (from March 2020 to December 2020) : 

Just like the windows of Annie Beaumel during the World War II, we would like to take this opportunity to bring some human warmth and a dreamlike space. 

Indeed, when we come out of our daily digital confinements, whether to human relationships or the outside world, we will feel the desire to be together again, to enjoy the fresh outside air, to reunite with our local community , eat at a restaurant ... 

Let’s try to reflect the joyful, colorful and light world in the upcoming windows. Let’s find a spirit of friendliness, empathy and simply show how everyday life can be savored when we can finally go outside. We will then feel thirsty for simple pleasures.

L’Oeil du Prince

In the ‘Prince's Eye’ is an immersive installation that celebrates contemplation whilst traveling.

The windows are designed like a theatre stage, where the decor evokes some dreamy elsewhere. 

Together, they form an immense landscape of mountains and valleys, a surreal panorama of vibrant colours.

But it is by walking by the front of the store that the real journey begins: triggered by an optical effect, the various panels that make up this decor come to life as if by magic.

Brief:
Francois Dumas, Arno Mathies and Alexandra Midal

Collaborators:
Laura Potter

Assistants:
Oliver Graney and Emma Pflieger

M1 Student Team:
Tanguy Benoit, Noemi Castella, Thomas Cerato, Tejal Gala, Marijose Galvan, Alessandra Hoffman, Rachel Hoffmann, Etienne Kurzaj, Thomas Lopes, Ana-Iris Paris, Tommy Poire, Julia Pelichet

Students from a range of MA programs at HEAD were invited to take part in a two-week workshop dedicated to exploring “ugly design” in relation to food. The students were charged with creating the full dinner party experience, from the space to objects, images, installations and FOOD that embodied ugliness, uselessness, and weirdness. All then to be shared on the viral Instagram page @uglydesign.

Brief:
Jonas Nyffenegger and Sebastien Mathys

Assistants:
Oliver Graney and Emma Pflieger 

Student Team:
Robyn Baumgartner, Nadia Benhaca, Viriginie Camillo, Julia Chauland, Rui Filipe Bernardes da Silva, Jeanne de Biasio, Linda Forestieri, Julie Hug, Flora Lambert, Glenn Le Meur, Tanguy Mallet, Alexandra Marchisio, Pauline Neyton, Nora Olivares, Julie Reeb, Annika Resin, Olivia Schalk, Marco Simao, Livia Wagner, Maco Xo

Photography:
@Instagram

TEAM 3_ THE MAIN COURSE

Rui-Filipe Bernardes Da Silva, Virginie Camillo, Annika Resin, Julie Reeb, Mako Heki

TEAM 4_ THE DESERT

Glenn Le Meur, Olivia Schalk, Alexandra Marchisio, Nadia Benhaca, Flora Lambert

Depuis les années 1910, les designers ont réalisés des films. Ce langage est proche du cinéma expérimental des plasticiens ; il repose sur des critères économiques et esthétiques proches, et dans le cadre qui nous occupe nous estimons qu’il est temps de l’examiner comme un objet d’étude et comme une finalité en soi pour le designer. Quand il est étudié par les universitaires, il l’est toujours sous le prisme  d’un mouvement particulier ou sous la seule autorité des hommes réalisateurs (par exemple, les Bauhaüsler ou Bel Geddes) et il n’est jamais considéré comme une possible forme autonome du design tant les films explicatifs et mode d’emploi ont pris le dessus sur la production. 

Selon Moholy-Nagy, le film est un moyen moderne de capturer la vitesse de la vie moderne, en créant une forme d’expression haptique. Pour les Eames, le film constitue une manière d’échapper aux dictats du modernisme lié au design industriel et permet une exploration alternative face aux lois du marché. Selon Munari, le film est un moyen  d’explorer les qualités visuelles des matériaux sur des surfaces. Plus récemment, pour Toran, le film réintègre de nouvelles formes narratives au sein du discours du design grâce à des objets McGuffin. Enfin, pour les tenants d’un design enfin décolonisé, le film offre un espace aux voix marginalisées par les institutions (Ansari, 2016) etc. C’est justement parce que le recours au film n’est pas indexé à un quelconque mouvement ou à une époque en particulier, qu’il soulève la question essentielle suivante : pourquoi des designers aux inspirations et motivations diverses, voir contradictoires, se tournent-ils encore et toujours vers cette même forme d’expression ; qu’offre-t-elle  que les autres moyens et modes d’expressions ne peuvent lui offrir ?

Via l’expansion dynamique de la discipline du design, une nouvelle génération de designers oeuvre essentiellement ou exclusivement via le film. Et cela aussi en partie grâce au passage entre l’analogique au digital qui a démocratisé son usage, sa technique, et ses tactiques de distribution. Les débats contemporains sur les limites du design, et les enjeux lies à l’ouverture de la discipline à un design explicitement décolonialiste et anti-patriarcal, trouvent justement ainsi une place et une voix. Et cela tient surtout au fait qu’ils recourent à un langage et à des subterfuges de nature expérimentale, à un  éloignement face aux impositions contraignantes et lentes du marché, et au désir d’explorer de nouveaux territoires. Le film expérimental de designers occupe un espace unique, en n’adhérant pas aux lois et aux règles établis par le fonctionnalisme, par le marché et par le statu-quoi qui l’enferre. 

En terme  de globalisation, de digitalisation, d’hyper-connectivité, du lien mouvant entre public et privée, de communauté et d’individualité, les experiences d’entertainment visuelles ont été modifiées par nos outils : il suffit de s’attarder quelques secondes sur l’impact et les conséquences du smartphone et des connections quasi constantes qu’il exige. Au regard de ces questions, les films de designers interrogent avec pertinence les modes de sa fabrication et la globalisation parce qu’à l’inverse du reste des pratiques dominantes du design, il est accessible et bon marché, (autant dans sa production que dans sa réception). En donnant une plateforme à des voix diverses, et non-prédéfinies, le film fonctionne comme un possible mode d’expression pour des minorités. Il en a déjà été ainsi par exemple, avec les femmes réalisatrices de film au Bauhaus, qui exilait les femmes des ateliers autres que textiles, et dont les oeuvres sont à peine re-découvertes aujourd’hui, etc. On remarquera aussi que dans le design industriel, les femmes sont assez peu étudiées, qu’on leur prête moins d’attention, à quelques rares épiphénomènes ou exception. Ce déséquilibre historique  pourrait être réparé en parti grâce à des formes d’expression plus démocratiques et plus accessibles. Et si l’on pense aux dangers de l’hyper-connectivité et à la globalisation, on peut espérer que ces expressions pourront re-créer un sens de la communauté et du collectif au-delà des frontières en remettant au premier plan des groupes oubliés, niés, ou souterrains.   

Californie ? Essentiellement dirigés par des femmes jusqu’en 1929, jusqu’à la transformation du « cinéma du diable » en industrie, quantité de films de fiction sont réalisés à l’origine en Californie où le temps est clément et la lumière abondante. Le paysage américain, et l’horizon, constituent les premiers studios en plein air du « cinéma premier », et le western, un genre typiquement américain utilise les vastes étendues des déserts et parcs naturels made in USA.

Brief:
Alexandra Midal

Tutor Team:
Mathias Zieba

Assistant:
Emma Pflieger

M1 Student Team:
Tanguy Benoit, Noemi Castella, Thomas Cerato, Tejal Gala, Marijose Galvan, Alessandra Hoffman, Rachel Hoffmann, Etienne Kurzaj, Thomas Lopes, Tommy Poire, Julia Pelichet.

Photography:
(no documentation and films are as of yet unfinished)

Le début du workshop débutera par un visionnage du lm L’an 01 réalisé en 1973 par Jacques Doillon, Alain Resnay et Jean Rouch. Ce lm condense les rêves de rupture des années 70. Vie en communauté, amour libre, refus de l’autorité, harmonie avec la nature.

Gébé imagine que les gens se mettent à inventer un nouveau mode de vie loin du productivisme et de l’économie de marché.

Le leitmotiv du lm est on arrête tout, on rééchit. C’est un peu près la même situation que nous permet le connement aujourd’hui. Tout est plus ou moins arrêté et on reprend les activités avec un autre état d’esprit.

A. A la lecture du lm, faire une analyse sociologique en faisant apparaitre d’un côté les critiques émises et de l’autre, les solutions trouvées ou esquissées. (matérialisation sous forme de deux colonnes en suivant la chronologie du lm).

B. A partir de votre tableau d’analyse, superposé un calque en faisant ressortir, dans un premier temps, les critiques qui restent d’actualité aujourd’hui. Et amusez-vous, dans un second temps, à trouver une forme de représentation, cartographie spécique qui permet de montrer les enjeux présentés dans le lm, ceux qui restent d’actualité et ceux qui vous intéressent le plus et sur lesquels vous aimeriez travailler.

Brief:
Matali Crasset

Assistant:
Emma Pflieger

M1 Student Team:
Tanguy Benoit, Noemi Castella, Thomas Cerato, Tejal Gala, Marijose Galvan, Alessandra Hoffman, Rachel Hoffmann, Etienne Kurzaj, Thomas Lopes, Tommy Poire, Julia Pelichet

50 Hertz

Salomé Guillemin

Résidence 2020-2021 à la Fondation l'Abri, Geneva.

Avec le soutient de  ProHelvetia, GRAME -National musical center of Lyon et le 

CERCCO, HEAD - Genève

 50 Hertz est une performance de musique drone jouée avec un ensemble de céramiques et de néons amplifié par des effets. Les céramiques sont des instruments humides qui produisent des fréquences infra-basses parsemées d'abrasions électriques. Elles définissent un espace et une ambiance sonore et visuelle obscure.

​L’installation est entièrement analogique et réagit à la conductivité du corps humain. La performance est une succession de contacts et de mouvements corporels autour des céramiques.

Les propriétés conductrices et isolantes des émaux et des terres utilisés pour le façonnage des instruments permettent d’obtenir une matière sonore brute. Celle-ci est modelée par les gestes de l’artiste qui compose une pièce sonore inédite.

​Ainsi, le choix des céramiques permet à chaque fois d’obtenir une configuration scénique nouvelle, chaque céramique possédant son propre répertoire de mouvements et de sons.

​Les céramiques ont été produites lors de la résidence artistique 2019 - 2020 du CERCCO – Centre d’Expérimentation et de Réalisation en Céramique COntemporaine de la Haute école d’art et de design, Genève. 50 Hertz a également été sélectionné pour être développé lors de la résidence 2020 - 2021 à la Fondation l’Abri.

Oriental Cinema in the Age of the Deep(s)

Rita Hajj

5e Edition - PRIX des Amis de l'IMA pour la jeune création contemporaine arabe.

Le Jury a choisi l'artiste libanaise Rita Hajj, lauréate 2020 du Prix des Amis de l'IMA pour la jeune création contemporaine arabe.

L’artiste lauréate Rita Hajj bénéficiera d’une résidence de trois mois au sein de la Cité internationale des arts à Paris et d’une bourse de 5000 euros qui lui permettront de réaliser une œuvre inédite : Oriental Cinema in the Age of the Deep(s).

L’œuvre sera révélée au public dans le cadre de la prochaine exposition événement de l’Institut du monde arabe,Divas arabes, inaugurée en avril 2020. L’œuvre intègrera par la suite les collections du musée de l’IMA.